Desta vez é pessoal… É quase impossível percorrer “Costume Art”, a grande exposição de moda do Met, como um observador impassível. Um olhar ativo é mais do que encorajado: é obrigatório, porque o próprio rosto do visitante aparece na superfície plana e reflexiva das cabeças sem feições das manequins criadas pela escultora Samar Hejazi. A ideia, segundo o curador Andrew Bolton, é “refletir sobre sua própria experiência de vida, com a esperança de criar conexão, empatia e compaixão entre as pessoas.”
O Met Gala 2026 acabou. A conversa está apenas começando. Não apenas esse elemento interativo transforma a visita ao museu em uma pequena viagem de autodescoberta, como também é uma experiência corporal que não pode ser replicada digitalmente. Isso num momento em que os humanos estão sendo substituídos por máquinas e a ansiedade em torno da inteligência artificial é generalizada. Bolton, o homem que há uma década concebeu “Manus x Machina”, uma exposição sobre a feliz coexistência entre humanos e tecnologia, está mais uma vez um passo à frente ao se concentrar na fisicalidade e na dimensionalidade em um mundo visual que favorece a planura. Afinal, o que poderia ser mais fundamentalmente material do que a forma humana?
“A exposição inteira é estruturada em torno de uma tipologia de corpos, e são corpos que você encontra por todo o museu ao se deparar com obras de arte”, explicou Bolton. “A tese simples da mostra é exatamente o fato de que o corpo vestido é o fio condutor de todo o museu.” O que você não verá em nenhum outro lugar do Met são manequins de tipos corporais diversos, modeladas a partir de indivíduos identificados, como as encomendadas para “Costume Art”. E isso é transformador em muitos aspectos. Como observa a pesquisadora Llewellyn Negrin na introdução do catálogo, as manequins não apenas projetam um padrão de beleza, como “suas dimensões frequentemente ditam os tamanhos das peças exibidas, e os tamanhos das peças correspondem às proporções idealizadas das manequins preferidas, resultando em um processo mutuamente reforçador que perpetua o privilégio de tipos corporais culturalmente valorizados.”
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Antes de entrar na organização da exposição, é importante abordar alguns dos referenciais em torno da mostra, especialmente no que diz respeito à relação em transformação da moda com a arte. Nesta era da individualidade, em que as imagens são a moeda corrente e manter as aparências, frequentemente por meio da roupa, é um esporte de alto risco, o interesse pela moda cresceu e ela se integrou cada vez mais a todos os aspectos da cultura. Isso afetou sua posição no mundo da arte em geral e nos museus, onde o tema é um grande atrativo para o público. Três das exposições mais visitadas de todos os tempos no Met foram organizadas pelo Costume Institute, com “Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination”, de 2018, ocupando o primeiro lugar.
Mesma data, novo espaço
Com a inauguração das novas e permanentes Galerias Condé M. Nast, logo após o Grande Hall, as exposições do Costume Institute ganham uma bela nova casa. Um dos muitos benefícios do espaço é que ele permite períodos de exibição mais longos. Poderia se dizer que a Cinderela finalmente chegou ao baile, embora as mensagens de aceitação e pluralidade de “Costume Art” contrariem a ideia do conto de fadas de que um encaixe perfeito é necessário para a entrada.
A associação da moda com a feminilidade, e por extensão com a frivolidade, há muito a distancia da alta arte. “Sempre houve uma espécie de sexismo inerente em torno da moda como disciplina”, disse Bolton, “mas acho que o fato de a moda ter sido excluída da história da estética se deve à sua proximidade com o corpo.” Contribuindo também para a posição de enteada da roupa está a visão, ele observou, de que ela é “algo de ordem decorativa, ilustrativa ou suplementar”. Além disso, há uma espécie de indisciplina inerente às peças de roupa, que são altamente táteis e se completam no corpo humano, para o qual são destinadas, enquanto pinturas e esculturas são mais autossuficientes e “cerebrais”. A divisão mente/corpo é mais uma verdade estabelecida que Bolton quer inverter.
No passado, o Costume Institute ampliou seu alcance exibindo em partes distintas do museu, como em 2022, quando a Ala Americana serviu de palco para “In America: An Anthology of Fashion”. Agora, para a exposição inaugural do novo espaço, Bolton e sua equipe assumiram o papel de anfitriões. Objetos de arte de todas as áreas de coleção do Met são exibidos ao lado de peças de roupa em “Costume Art.”
“Sempre que você vai a exposições em que arte e moda estão em justaposição, você é incentivado a ver a moda pela lente da arte, o que se torna uma experiência muito mais descorporificada”, observou Bolton. “O que eu queria fazer era simples, mas acho que radical: virar isso de cabeça para baixo, para que você olhe para a obra de arte pela lente da moda. Não estamos criando uma nova hierarquia, estamos apenas tentando criar mais equidade entre obras de arte e corpos. Então, quando você vai ao museu, há uma equidade entre a escultura, a pintura, a peça de roupa, entre o corpo clássico e o corpo com deficiência.”
Regras básicas
O teaser da exposição: uma vitrine que se projeta para o Great Hall com looks que ilustram a ideia do Corpo Nu e Despido
Divulgação/ Anna-Marie Kellen / The Metropolitan Museum of Art
Agora que estabelecemos a clarividência de Bolton ao se concentrar no corpo humano como elo entre arte e moda num momento em que a tecnologia ameaça desvalorizar e deslocar as pessoas, e falamos sobre o simbolismo na elevação das galerias de figurino do subsolo para o Grande Hall, podemos começar nosso passeio pela exposição.
As polaridades abundam em Costume Art. A mais abrangente diz respeito à divisão arte/moda, e isso é explorado por meio do que o curador chama de tipologias corporais, das quais existem dois agrupamentos principais que tratam de forma e funcionalidade. O primeiro é “Diversidade no Ser Corporal”, uma forma elaborada de falar sobre diferença. É aqui que estão localizadas as seções Corpo Grávido, Corpo Corpulento e Corpo com Deficiência. “O Ser Corporal em sua Universalidade”, em contraste, considera a própria estrutura do corpo (sangue, ossos, musculatura) em relação ao envelhecimento e à mortalidade aos quais todo ser humano está sujeito.
Antecipando a exposição, há uma vitrine de vidro que se estende da galeria para o Grande Hall e, como é dedicada ao Corpo Nu e Desnudo, empresta uma espécie de aspecto de espetáculo a Costume Art. A seção de abertura foca em peças que revelam o corpo por meio de transparência ou de exposição real da pele. Representando o primeiro caso estão uma calça legging de tom de pele de Vivienne Westwood, disposta perto de uma gravura de Albrecht Dürer de 1504 retratando Adão e Eva. No segundo campo estão o monoquíni transgressor de Rudi Gernreich, de 1964, que exibe os seios, e o famoso look de suspensório revelador de Jean Paul Gaultier com o qual Madonna revelou o que havia dentro de seu sutiã cônico num evento da AmFAR em 1992 para arrecadar fundos para a Aids.
As duas principais conclusões aqui são as seguintes. A primeira, como estabelece Negrin no catálogo, é que “O próprio conceito de nudez só pode ser compreendido em relação à noção oposta do corpo vestido.” Isso sugere que a moda funciona como a tentadora maçã, que muda a forma como vemos as coisas. Além disso: não devemos equiparar um corpo nu a um corpo em estado natural, porque, como escreve Bolton: “Mesmo quando retratado sem roupas, o corpo nunca está nu, pois está vestido nos ideais físicos e culturais de qualquer época e lugar.” Ele encarna os ideais do tempo em que foi retratado.
O corpo belo, e revelado.
Divulgação/ Anna-Marie Kellen / The Metropolitan Museum of Art
A exibição mais dramática de Costume Art é dedicada ao Corpo Clássico. Sobre colunas elevadas como cariátides na arquitetura antiga, fileiras de vestidos-deusa assinados por Madame Grès e Fortuny se erguem sobre vitrines iluminadas que abrigam urnas gregas, do tipo que Keats celebrou em verso. Mesmo em 2026, os ideais de beleza permanecem míticos, na medida em que o equilíbrio e as proporções idealizados pelos antigos gregos e romanos ainda são o parâmetro pelo qual a beleza é medida. Em contraposição às peças drapejadas que acariciam as linhas naturais do corpo em exibição, há looks com armação que impõem o físico perfeito sobre um corpo.
Vestimentas de deusa na seção Corpo Nu e Despido.
Divulgação/ Anna-Marie Kellen / The Metropolitan Museum of Art
Um véu translúcido permite que o visitante veja do Corpo Clássico para a próxima seção, que é, disse Bolton, “sobre conter o corpo feminino para uma ideia particular de beleza específica de um tempo e lugar”. Ele a chama de Corpo Abstrato, pois demonstra como a forma feminina foi moldada por peças de modelação como espartilhos, aros e saliências em formas não naturais. Muitas peças históricas são apresentadas aqui, incluindo um vestido com saliência nas costas que Bolton combinou com o estudo de 1884 de Georges Seurat para Uma Tarde de Domingo na Grande Jatte, uma pintura que retrata uma mulher com uma parte traseira tão pronunciada que poderia servir de mesa de apoio.
Essa seção realmente evidencia como a moda foi usada para moldar e controlar as mulheres física e esteticamente. É em parte a associação da roupa com o feminino que está na base da resistência da arte em relação ao vestuário. Desde Eva, é o corpo feminino que tem sido o locus da vergonha, da ansiedade e do medo, medo, disse Bolton, da “permeabilidade” incontrolável dos corpos das mulheres. Em nossa era de liberdade sartorial, são as leis, e não os ossos do espartilho, que estão sendo usados para contê-los. As baixas taxas de natalidade coincidiram com o acesso restrito a contraceptivos e ao aborto nos Estados Unidos, por exemplo. Complicando a narrativa está a ideia de que o lugar da mulher é o lar, uma noção que está sendo adotada, até mesmo imposta, pelo fenômeno do TikTok das “tradwives”.
Em contraste, os estilistas presentes na seção dedicada ao Corpo Reivindicado definem a beleza por seus próprios padrões ao vestir corpos Grávidos, Corpulentos e com Deficiência, que foram marginalizados tanto no mundo quanto nos museus. Entre os exemplos mais claros de corpos reivindicados estão peças de Rei Kawakubo para Comme des Garçons e de Duran Lantink, ambas com enchimentos que fazem o corpo se transformar de maneiras inusitadas, com saliências e volumes exagerados sem restrições das regras de anatomia. A ideia de Bolton aqui era “celebrar corpos fora dos limites”, e ele o faz com graus variados de sutileza.
No Corpo Abstrato, um encontro de anáguas.
Divulgação/ Anna-Marie Kellen / The Metropolitan Museum of Art
Numa primeira vista, visitantes que olham para uma pintura de Van Gogh ladeada por peças de Yves Saint Laurent e Jonathan Anderson para a Loewe com as íris do artista podem pensar que o ponto em comum entre as três é o tema floral, mas há mais do que parece. “O que elas compartilham são problemas de saúde mental”, explicou Bolton. “Saint Laurent sofria com questões de saúde mental. Jonathan, grande defensor da neurodivergência, é imensamente disléxico, e depois, obviamente, Van Gogh. Então, mesmo quando parece ser uma conexão formal e estética bastante direta, esperamos que haja algo um pouco mais profundo que estamos tentando extrair.”
Em “Sleeping Beauties”, a exposição do Costume Institute de 2024, Bolton expandiu nossa experiência sensorial da moda por meio do olfato e do tato, dois sentidos que ainda não foram replicados pela inteligência artificial. Aqui, a tátilidade está relacionada à deficiência: o braille foi incorporado a um vestido de Angela Wanjiku, por exemplo, e Chet Lo criou suas malhas com pontas em parceria com uma organização sem fins lucrativos que trabalha com pessoas cegas ou com baixa visão.
Tatuagem fashionista
Divulgação/ Anna-Marie Kellen / The Metropolitan Museum of Art
Por dentro
Avançar para galerias com teto mais baixo nos leva da particularidade à universalidade, do singular ao coletivo. Como disse Bolton: “Todos temos sangue correndo nas veias, todos temos coração e pulmões, temos uma anatomia, temos pele… todos envelhecemos, todos morremos.” Estampas de tatuagem em malha de Martin Margiela, Jean Paul Gaultier e outros são destaques do Corpo Inscrito, enquanto um vestido de 1998 de Olivier Theyskens com corpo de lã esponjosa e bordados vermelhos de veias ilustra a ideia do Corpo Vital, conectado por vasos filiformes que transportam sangue. O Corpo Anatômico foca em peças que revelam a musculatura e o funcionamento interno da forma humana. Um bom exemplo é o vestido de lona de Thom Browne, meio bordado em vermelho, que lembra um desenho médico.
Encerrando a mostra estão seções dedicadas ao Corpo Envelhecido e ao Corpo Mortal e, por fim, ao Corpo Epidérmico. O suéter “Hag” da Batsheva representa o primeiro; o vestido esqueleto de Thom Browne, que Caroline Trentini usou no Met Gala de 2019, o segundo. Está escrito no Eclesiastes que “A morte chega a todos.” Com o tempo, os estilistas registraram o inevitável por meio de memento mori como caveiras, cabelos e motivos esqueléticos. Assim como o nu é compreendido em relação ao corpo vestido, talvez nossa compreensão e prazer pela vida se intensifiquem com a consciência da morte. Apesar dos elementos mórbidos, a exposição termina com uma nota de esperança.
O Corpo Vital
Divulgação/ Anna-Marie Kellen / The Metropolitan Museum of Art
Em um mundo dividido, essa exposição fala de conexão: conexão entre todas as formas de expressão criativa no Met e entre todas as pessoas cujos selves estão contidos e apresentados como corpos vestidos. Quando perguntado se achava que Costume Art seria classificada como “woke”, Bolton recuou. “Não é pretendida como uma exposição woke, mas sim, certamente pretende abordar como diferentes tipos de corpos estão sendo atacados… quando você percorre a exposição, para mim, é realmente uma celebração de quem somos como indivíduos e quem somos como raça, a raça humana.”
O Corpo Mortal.
Divulgação/ Anna-Marie Kellen / The Metropolitan Museum of Art
Esta é uma exposição generosa, que acrescenta algo ao mundo e exige uma contribuição criativa do visitante. “Costume Art” sugere combinações entre objetos e peças de roupa, mas não prescreve como devem ser interpretadas. Cada visitante traz sua própria experiência do corpo vestido para a leitura das peças em exibição; e por meio do design das manequins, pode projetar a si mesmo nas roupas. Bolton sugere que olhar para a arte pela lente da moda traz recompensas. “Estamos de certa forma sugerindo que a moda deve ser levada a sério como uma forma de estética, não como algo suplementar ou secundário à arte”, disse Bolton. “Em diálogo uma com a outra, algo acontece… é como se um mais um fosse igual a três.”
Criações de Issey Miyake na seção do Corpo Inscrito/Epidérmico
Divulgação/ Anna-Marie Kellen / The Metropolitan Museum of Art
Revistas Essa matéria foi originalmente publicada na Vogue norte-americana com o título Beyond Body-Con: In the Met’s Spectacular New Exhibition, “Costume Art,” the Human Form Connects Fashion and Art
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